Vieni a vedere la mia collezione di foto di politici che mangiano? Hetzel incalzato dalla nostra Noemi si smarca così

Mette in scena la Realtà, Julian Hetzel, anzi tante realtà, e alcune sono più terrificanti di altre. Ma mette in scena anche la Finzione, con tanto di avvertimenti metateatrali sulla sua natura provocatoria e disclaimer decisamente sinceri sui suoi possibili effetti indesiderati.

Nell’intervista, durata quasi un’ora, abbiamo parlato di salsicce, nudità - letterale e metaforica - e dell’utilità politica e drammaturgica dell’ambiguità.

Noemi Adinolfi: Una cosa che ci piace fare con la redazione di Dramaholic è, dopo ogni spettacolo, origliare per raccogliere commenti. Dopo la replica del 3 maggio di 'Three Times Left is Right' a LIFE Festival ho sentito un ragazzo dire ai suoi amici: "Era davvero necessario fare quella cosa tipica del teatro contemporaneo in cui gli attori si presentano come attori e spiegano quale ruolo stanno per assumere?" Quindi rimetto a te la domanda: perché hai sentito che era necessario mettere in scena questo rituale all'inizio dello spettacolo?

Julian Hetzel: Quella scena è stata aggiunta solo qualche settimana prima della Prima. Abbiamo capito che avevamo bisogno di costruire una cornice che ci permettesse di lavorare con questi testi di estrema destra, con l'ideologia di destra, e che ci proteggesse sia dall'essere appropriati dalla destra che dall'essere accusati di dare una piattaforma alla loro ideologia. Quindi abbiamo pensato: come possiamo costruire una parentesi per dare questa spiegazione?

Quando abbiamo iniziato a provare la scena per la prima volta, [gli attori] indossavano ancora i loro abiti. Indossavano già il costume. Poi ho capito che non funzionava perché era come se fossero già nel ruolo. Così a un certo punto ho chiesto loro se sarebbero stati disposti a provare questa scena nudi. Poi abbiamo anche deciso di usare la luce di servizio del teatro in quella scena, quindi mostriamo fondamentalmente l'intero meccanismo nudo. È puramente per decostruire la cornice teatrale e dire: “Ehi, siamo noi. Questo è lo spazio. Questo è ciò che facciamo. Questo è il testo. È tutto scritto. Una parte è reale, una parte non lo è”. 

I CONFINI DI RIFERIMENTO IN SCENA

NA: Nel prologo c'è una battuta di Josse De Pauw che mi è rimasta molto impressa: “In questo spettacolo c'è un po' di verità e c'è un po' di finzione, ma la finzione non è lì per confortarti, è lì per provocarti”.  Volevo chiederti se pensi che forse comunicare attraverso la rappresentazione della realtà piuttosto che attraverso fatti concreti sia più efficace per la sinistra come forma di attivismo [rispetto alle loro strategie attuali]?

JH: Quando i sottotitoli si dividono in due versioni diverse [una che riporta quanto viene detto dai personaggi e un’altra quello che vorrebbero dire], le persone si chiedono “Sto vedendo bene? Il loro sistema di sottotitoli ha un problema?”.  Nella scena con la lavatrice, accade la stessa cosa. Il pubblico progressista di sinistra viene accusato di aver avuto una certa responsabilità nel costruire il successo della destra radicale. E alla fine, quando le persone vanno a bere una birra o non lo fanno, quella è forse la parte più ovvia. “Mi unirò o no? Sto contribuendo? Sto acconsentendo?”.

Ci sono tutte queste linee sfumate e ambigue tra il ruolo del pubblico come spettatori, che è sicuro e a distanza, come complici, alzando il braccio e mangiando una salsiccia, o come testimoni. Voglio dire, il mondo è così estremo al momento che sembra una satira della vita reale. Quindi come può il teatro e come può l'umorismo far fronte a questo, andare oltre o persino controbilanciarlo? Penso davvero che la soluzione sia non andare sul sicuro [con la drammaturgia]. Penso che al pubblico debba essere ricordato che esiste uno spettro di tutte queste emozioni, di tutte queste possibilità.

NA: All’inizio dello spettacolo il personaggio di Josse parla di un "confine di riferimento" che contiene ciò che è normalizzato e ciò che è ammissibile. Tuttavia, non pensi che scegliere cosa ammettere dentro il nostro confine e cosa deve restarne fuori sia una questione che è ancora di interesse solo per le classi alto-borghesi? Come i tuoi personaggi dicono nello spettacolo, le battaglie del linguaggio e dell'inclusività sono alla fin fine ciò che ha allontanato la sinistra dai problemi più urgenti della classe lavoratrice.

JH: Lo chiamiamo il nuovo latino. Questo tipo di linguaggio inclusivo diventa uno status symbol che può essere usato per definire la propria posizione nella società. Quindi è sicuramente anche una questione di classe e una questione educativa. Il testo sulla normalizzazione che il personaggio ispirato a Helmut Lethen recita è in realtà materiale che abbiamo preso dalla scrittura di Harald Welzer (noto psicologo sociale, molto impegnato, ndr). Quella scena è fondamentalmente un collage del suo pensiero. Da un lato, la scena è lì per dare spazio alla sua ricerca effettiva e alla sua posizione. Dall'altro lato, penso che funzioni come un precursore di ciò che viene dopo nello spettacolo, l'intero discorso sul linguaggio, sul proibire, limitare il linguaggio, stare attenti al linguaggio, cosa si può dire, cosa non si può, quali parole usare. 

ANGELA COL PESCE IN BOCCA

NA: Le mie prossime domande sono molto italiane, in un certo senso. Durante lo spettacolo la scenografia cambia e ad un certo punto uno slogan che recita ‘Never Again’ viene appeso al contrario. Ho pensato che potesse essere un modo divertente di fare riferimento alla fine di Mussolini.

JH: Mi piace il tuo riferimento a Mussolini appeso a testa in giù, penso che [capovolgere lo slogan] sia in generale un annullamento del potere, come quando i monumenti vengono abbattuti. Quel poster appeso al contrario è poi parzialmente coperto da un altro poster che dice solo 'Now'. Quindi c’è questo stratificarsi dei messaggi e significati che queste parole comunicavano in passato e quelli che assumono ora. La cosa divertente è che ogni volta che lo spettacolo inizia, iniziamo con un muro bianco, poi alla fine il muro ha questa patina di tutti gli avanzi [dei poster sovrapposti]. È come se, guerra dopo guerra, generazione dopo generazione, tutte lasciassero delle tracce.

NA: Alla fine dello spettacolo, quando si apre il chiosco con birra e salsiccia, mi ha ricordato qualcosa che fanno molti politici italiani di destra, ovvero vanno alle sagre e alle feste di paese e mangiano e si fanno selfie con le persone.

JH: Voglio mostrarti qualcosa. Ho una collezione di politici che mangiano. Ho collezionato migliaia di immagini di politici che mangiano. E naturalmente ci sono anche molte immagini di Salvini. Ecco Meloni che mangia. C'è il presidente polacco. Quindi ho collezionato questi [si interrompe ad un’inquadratura veramente sfortunata di Merkel che si cala in bocca un pesce] – Merkel, dio mio! È un gesto allo stesso tempo mostruoso e molto vulnerabile. Il cibo è stato strumentalizzato per mostrare che "Sono uno del popolo." 

ARTE, POLITICA E SPLATTER

NA: Alcuni dicono che arte e politica, o teatro e politica, non dovrebbero essere sovrapposti, perché questa fusione neutralizza sia l'arte che il messaggio politico. Qual è la tua posizione in questo dibattito?

JH: Il fatto è che a volte sembra che la politica sia teatro scadente, e penso noi che possiamo fare un teatro molto migliore. Penso che il teatro sia politico in quello che fa e in come lo fa. Con il teatro possiamo ispirare le persone a guardare diversamente il mondo esterno. Quindi non ho paura di unire questi due elementi. E penso che sia tutto lì per ricordare al pubblico che sono cittadini, che non sono solo spettatori, che non è solo una storia che sta accadendo davanti a loro. 

NA: La scena della cannibalizzazione, non pensi di averla esagerata un po'? Non so se l'hai visto ma quando lo spettacolo ha debuttato qui in Italia, una signora ha vomitato, è svenuta, poi ha vomitato di nuovo.

JH: Sì, non è la prima volta. Succede spesso che le persone abbiano una reazione molto forte in quella scena. È molto grafica, ma anche molto divertente. Questa idea di cannibalizzazione era centrale per me in questa opera. Penso che sia anche bello che il pezzo deragli a un certo momento. Sai, c'è tutto questo pensare, tutto questo parlare, tutto questo dare senso alle cose. E a un certo momento, in un certo senso deviamo e andiamo più verso un mondo surreale e bizzarro. Non sono sicuro di averla esagerata.

Ci sono diversi artisti che hanno usato fluidi corporei per fare arte, ma, devo dire, aveva senso anche perché il pezzo è stato presentato in anteprima a Vienna, dove c’è la tradizione di Hermann Nitsch che era solito spalmare sangue sulle pareti e usare molto il colore rosso. E anche la salsiccia è una cosa molto viennese, si potrebbe dire. Quindi abbiamo pensato di andare fino in fondo, riportare le salsicce a Vienna.

VECCHIA ITALIA DEI TEATRI

NA: Ero curiosa di sapere com'è stata la tua esperienza in Italia e con le istituzioni italiane.

JH: Sento che il pubblico italiano si relaziona fortemente alle mie creazioni. Le prendono sul serio. Questa volta per esempio le persone erano davvero entusiaste del lavoro. O confuse. Lo amano, lo odiano, ma almeno ha un effetto su di loro, quindi mi piacerebbe esibirmi molto di più in Italia. Tuttavia, penso che [l'Italia] abbia ancora un orizzonte relativamente conservatore.

Se guardo i teatri più grandi, seguono un concetto più tradizionale di cosa è il teatro, cosa sono le arti performative, e le dividono più nettamente. Non è così facile portare nuovi formati ai teatri più importanti o ottenere supporto per questi progetti, e non sono sicuro che questo abbia a che fare solo con il governo attuale. Penso che sia così da un po'.

Devo dire che lavorare con Zona K e il Festival LIFE è stato un vero piacere. Penso che abbiano messo insieme un programma davvero fantastico che ha una linea politica molto chiara. Sarebbe fantastico avere più iniziative come questa.

LA CINA S'AVVICINA

NA: Quali sono i prossimi progetti dello Julian Hetzel Studio? Stai scrivendo attualmente, lavorando su qualcosa di nuovo?

JH: Il mio nuovo progetto debutterà nel 2027, a maggio. Il titolo provvisorio è 'Control C', come la combinazione sulla tastiera. È un progetto dove cerco di fare un ritratto dell'Europa attraverso una prospettiva cinese. Quindi la 'C' nel titolo sta non solo per 'Copy', ma anche per 'Cina'. E guardo fondamentalmente a come la Cina ci vede e a come vediamo noi stessi come europei. Qual è la nostra immagine di noi stessi?

È un progetto sulla negazione, direi, perché sembra che siamo bloccati con questa immagine di noi stessi, che siamo il centro del mondo, che siamo così importanti che siamo qui per aiutare tutti gli altri. Ma il mondo va avanti. Sarà un progetto dove lavoreremo di nuovo con persone anziane, perché voglio fare un ritratto dell'Europa come paziente geriatrico. Ci sono tutti questi grandi cambiamenti geopolitici e sembra che l'Europa non abbia ancora ricevuto l'ultimo aggiornamento. 

NA: Queste erano tutte le mie domande, grazie ancora per il tuo tempo e questa conversazione.